Biographies

In 1994, Stephen Andrews has been part of the collective exhibition Je crois le vent les a ôtés, presented at the Canadian Cultural Centre which also presented his project 1st Part of the 2nd Half in 2003.

Stephen Andrews est né en 1956 à Sarnia, Ontario. Au cours des trente-cinq dernières années, son œuvre a été exposée au Canada, aux États-Unis, au Brésil, en Écosse, en France et au Japon. Il est représenté dans les collections du Musée des beaux-arts du Canada, du Musée des beaux-arts de l’Ontario, de la Morris and Helen Belkin Art Gallery (UBC, Vancouver), de la Schwartz Art Collection (HBS, Boston), ainsi que dans de nombreuses collections privées. Son travail interroge la mémoire, l’identité, la technologie et leurs représentations dans différents médias. Il utilise des images extraites de journaux, de la télévision, du cinéma, des téléphones portables et d’internet pour façonner ses œuvres à la main grâce à un éventail de médiums artistiques : latex, pastels, impression sur soie, linogravure, tampons en caoutchouc, animations. Un trait distinctif de l’œuvre d’Andrews est son effort pour créer l’aspect de la reproduction mécanique par des moyens analogiques. L’artiste déclare vouloir rendre “le numérique, la matrice à points de la reproduction imprimée ou des technologies télévisuelles (…) manuellement afin de représenter à la fois le message et le moyen par lequel celui-ci est transmis.” Andrews crée un espace de réflexion sur notre consommation quotidienne d’imagerie en provenance des médias. Prise individuellement ou dans son ensemble, l’œuvre de Stephen Andrews est un reportage émotionnel et subjectif. Sous forme poétique, il s’attache a relayer les effets du contexte historique contemporain au moment où celui-ci se personalise. Son œuvre vagabonde au croisement du corps et du corps politique, de l’individuel et du social.

En 2017, Sara Angelucci a participé à l’exposition Piece by Piece (with Sanaz Mazinani) presented at the Canadian Cultural Centre.

Sara Angelucci est une artiste installée à Toronto qui conjugue différents médiums : photographie, vidéo, audio et installations. Au fil des ans, ses projets ont puisé dans un corpus de photographies et de films personnels ainsi que d’images anonymes et trouvées. Ancré dans l’histoire de la photographie – de clichés vernaculaires à des portraits professionnels en studio – le récit hors cadre de l’image oriente sa recherche vers les traces d’histoire naturelle et sociale présentes dans l’image. Cette recherche a nourri un profond intérêt chez l’artiste pour l’histoire naturelle et son travail le plus récent est informé par l’étude des mondes aviaire et botanique. Sara Angelucci est titulaire d’une licence de l’Université de Guelph et d’un Master en Beaux-arts  du Nova Scotia College of Art and Design. Elle est professeur adjointe en photographie à l’Ecole des arts de l’image de l’Université Ryerson et est représentée par la Stephen Bulger Gallery à Toronto et la Patrick Mikhail Gallery à Montréal.

The Canadian Cultural Centre constantly accompanied Iain Baxter, Iain Baxter& and N.E.Thing Co’s projects in France and is proud to reintroduce the artist in France under his new IAIN BAXTER& (the &man) name. In 2010-2011, the CCC presented Iain Baxter. Canadian Perspective, in partnership with the Art Gallery of Windsor, the University of Windsor, the Lethbridge University Art Gallery and the FRAC Bretagne. In 2017, the CCC was a partner of The Power of & at the Sorbonne Gallery in Paris.

IAIN BAXTER&, récemment rebaptisé IAIN BAXTER& (the &man) – après un premier changement de nom officiel de Baxter à Baxter& en 2005 – est le pionnier de l’art conceptuel canadien. L’artiste multidisciplinaire a passé les dernières six décennies à créer & exposer un corpus d’œuvres unique qui défie les limites & la définition de l’art. Grâce à sa foisonnante créativité, il interprète les rapports entre nature & technologie, sensibilisant le public aux enjeux contemporains mondiaux tels que le consumérisme, la cause environnementale & les médias. Baxter& est un plasticien à la multidisciplinarité exemplaire, dont la curiosité conceptuelle investit autant la sculpture ou l’installation que la peinture, la photographie, l’art vidéo, la production de films, la performance et interventions de type guérilla artistique. Il a aussi été un des fondateurs de l’art conceptuel canadien dans les années 1960 à travers le lancement du projet conceptuel et de l’entreprise N.E.Thing Co. ainsi que son travail novateur de consultant pour la société Polaroid et la brasserie Labatt.

Exposée dans le monde entier, dont une rétrospective au Museum of Contemporary Art de Chicago en 2011 continuée l’année suivante à l’Art Gallery of Ontario, l’œuvre de l’artiste figure dans de nombreuses expositions nationales et internationales ainsi que dans diverses collections publiques au Canada et aux Etats-Unis, dont la National Gallery of Canada, Ottawa,  l’Art Gallery of Ontario, Toronto, la Vancouver Art Gallery et le Museum of Modern Art, New York.

Les réalisations d’Iain Baxter ont été récompensées par d’importantes distinctions et prix, donc l’Ordre du Canada, l’Ordre de la Colombie-Britannique & l’ordre de l’Ontario ainsi que le Prix du Gouverneur général en Arts visuels et médias et le Prix Molson du Conseil des arts du Canada. Iain Baxter est aussi membre de la Société royale du Canada ainsi que professeur émérite à la SoCA, la nouvelle Faculté d’arts créatifs de l’Université de Windsor.

In 2011, the Canadian Cultural Centre presented Illuminated Manuscripts by Robert Bean.

Robert Bean est un artiste, écrivain et commissaire d’expositions vivant à Halifax (Nouvelle-Écosse). Il est professeur à l’Université Nova Scotia College of Art and Design (NSCAD). Il a dirigé des ouvrages et publié des articles sur la photographie, l’art contemporain et l’histoire culturelle. Puisant dans les archives et collections publiques, Bean examine l’inconstance temporelle que la photographie et les supports numériques expriment dans notre rapport avec le vécu, la technologie et la langue. Ce projet consiste spécifiquement à produire des œuvres d’art et des publications façonnées par la culture des réseaux, l’informatique mobile et l’obsolescence. Robert Bean a exposé son travail en solo ou en groupe au Canada, aux Etats-Unis, en Europe, en Corée et en Nouvelle-Zélande. Il a reçu des bourses du Conseil de recherches en sciences humaines du Canada (CRSH) et du Conseil des arts du Canada. En 2010, il a été artiste en résidence au Musée des sciences et de la technologie du Canada, Ottawa. Les oeuvres de Robert Bean se trouvent dans des collections publiques et privées, dont le Musée des beaux-arts du Canada, la Banque d’art du Conseil des arts du Canada, la Collection des arts visuels de Affaires mondiales Canada, le Musée des beaux-arts de la Nouvelle-Écosse, ZKM (Zentrum für Kunst und Medientechnologie) Karlsruhe, Germany et la Donovan Collection à l’Université de St. Michael’s College, Toronto, Ontario. 

Dianne Bos’exhibition The Sleeping Green, No Man’s Land 100 Years Later, organized by the University of Lethbridge Art Gallery, was presented at the Canadian Cultural Centre in Paris in 2017 and was exhibited across Canada.

Born in Hamilton, Ontario, in 1956, Dianne Bos received her Bachelor of Fine Arts from Mount Allison University. She divides her time between the foothills of the Rockies and the Pyrenees.

Her work has been exhibited nationally and internationally since the 1980s. Notable national exhibitions include Light Echo at the McMaster Museum of Art in collaboration with Astronomer Doug Welch, It’s You!: Unexpected Photographs from Papua New Guinea at the Confederation Centre of the Arts, P.E.I., “See Attached” a photographic dialogue with photographer Sarah Fuller at the University of Lethbridge Art Gallery and The Sleeping Green, No Man’s Land 100 Years Later, organized by the University of Lethbridge Art Gallery, was presented internationally at the Canadian Cultural Centre in Paris in April 2017 and was exhibited across Canada including the Art Gallery of Hamilton and the McMichael Gallery.

Many of Bos’s recent exhibitions feature handmade cameras, walk-in light installations, and sound pieces. These tools and devices develop her investigations of journeying, time, and the science of light. This work appeared in the traveling exhibitions Poetics of Light: Pinhole Photography, New Mexico Museum, Seeing, Science Gallery, Dublin Ireland. See the Stars, a multi-aperture tent installation created for the Midnight Sun Camera Obscura Festival in Dawson City, Yukon, and Star Shed at McMaster Museum in Hamilton.

She is the recipient of numerous grants and awards from the Canada Council for the Arts, the Alberta Foundation for the Arts and the Banff Centre. Her work has been shown in the United States, Ireland, France, Spain, Japan and Italy, and she is a sought after presenter on, and instructor in, alternative photography techniques. Many private and public collections including the National Gallery of Canada, Glenbow Museum, Art Gallery of Hamilton, the Alberta Foundation for the Arts, own her work. She has been twice nominated for the Scotia Bank Photography award and co-founded Exposure: Alberta’s Photography Festival.

In 2007, the Canadian. Cultural Centre presented Millie Chen’s Extreme Centre, in partnership with the Centre d’art contemporain de Basse-Normandie in Hérouville St-Clair

Millie Chen’s visual, audio and performative works are intended to interrupt habits of viewing. Materials, tools and methodologies are contingent on the needs of the moment, but at the core of all her projects are social inquiry and the use of sensory modes of perception in the generation of knowledge. For over a decade, she has focused on landscape and the invisible histories of the land. Chen’s artwork has been shown across North and South America, East Asia and Europe at venues and festivals including the Albright-Knox Art Gallery (Buffalo), the Power Plant (Toronto), the Canadian Cultural Centre (Paris), Centro Nacional des las Artes (Mexico City), the Contemporary Austin, Shanghai Expo, Hong Kong Asian Film Festival, Toronto Nuit Blanche, and FILE-Rio: Electronic Language International Festival (Rio de Janeiro). Among her awards is a 2003 International Residency Grant from the Canada Council for the Arts to conduct a four-month Paris studio artist residency; a 2007 Chalmers Fellowship through the Ontario Arts Council to produce Demon Girl Duet, an audio-video based on two river journeys on the Niagara and the Yangtze; a 2020–21 Humanities Institute Faculty Research Fellowship from the University at Buffalo to conduct research and production on Silk Road Songbook (SRS), a collaborative multidisciplinary project that weaves song into landscape. SRS facilitates the creation of grass roots songs that voice local concerns about land, sovereignty, and cultural identity along ancient and contemporary Eurasian trade routes; for each place, the voices will be the dynamic driving force, the land a shared visual anchor. Chen’s work is in several public collections including the Albright-Knox Art Gallery, University of Colorado Art Museum, Roswell Park Cancer Institute, Art Bank of Canada Council for the Arts, Art Gallery of Ontario, Canadian Pacific Railway, and Toronto Transit Commission, and she has produced a number of major permanent public art commissions. Her writing has appeared in publications in the United Kingdom, Canada, the United States and China. Chen is a professor in the Department of Art, University at Buffalo.

D’importantes expositions de l’œuvre de Robin Collyer ont été présentées en France, notamment au centre d’art Le point du Jour à Cherbourg (2012) et au Centre photographique d’Île de France, Pontault-Combault (2000). La galerie Gilles Peyroulet représente l’artiste depuis des décennies à Paris. Le Centre culturel canadien a été partenaire de tous ces projets.

Robin Collyer est né à Londres en 1949 et à émigré au Canada en 1956. Il a eu sa première exposition individuelle en 1971. Il travaille sous forme de photographie, sculpture et d’œuvres publiques.  Ses photographies et œuvres en trois dimensions ont co-existét tout au long de sa carrière. Robin Collyer a exposé ses sculptures et photographies à travers le Canada et les États-Unis ainsi qu’en Allemagne, Autriche, Suisse, Grande-Bretagne et France. E, 1987, il a exposé à Documenta 8 à Kassel, Allemagne, et en 1993, son travail a représenté le Canada à la Biennale de Venise. En 1999, une exposition photographique de Collyer a été organisée par l’Art Gallery of York University, qui a ensuite circulé au Musée canadien de la photographie contemporaine puis au Centre photographique d’Île-de-France à Pontault-Combault, France.

Au cours des quatre dernières décennies, l’oeuvre photographique et les assemblages tri-dimensionnels de Collyer ont constitué une réponse à un monde qui a évolué de l’analogique au numérique. Les premières photographies en noir et blanc de Collyer portaient un regard critique sur les limites de l’image pthographique et ses prétentions à l’authenticité. Ses photographies couleur de sujets en milieu naturel à partir des années 1990 examinent la notion de beauté.  Ses images urbaines retouchées, supprimant tout élément textuel, soulignent l’ubiquité du langage commercial et d’entreprise dans l’espace public. Ce questionnement sur ce que nous regardons et ce que est dépeint continue d’être au centre de ses travaux photographiques. Les photos de Collyer sont des visions euphémiques, souvent ironiques, du monde moderne. Quant aux formes vernaculaires de ses sculptures, elles peuvent être comprises dans le contexte de l’information contemporaine et des systèmes de production.

L’œuvre de Donigan Cumming aborde les thèmes du corps, de la vérité et la fiction, des tabous de la représentation et de l’engagement social. Ses expositions individuelles incluent : Reality and Motive in Documentary Photography (OK Harris Gallery / 49th Parallel Gallery, New York, et CNP, Paris, 1986), The Mirror, the Hammer and the Stage (Museum of Contemporary Photography, Chicago, 1990), Diverting the Image (Art Gallery of Windsor et CIAC, 1993), Pretty Ribbons (Les Rencontres d’Arles, 1994), Moving Stills (Mois de la Photo à Montréal 1999 et International Film Festival Rotterdam 2000); Moving Pictures (MOCCA Toronto, 2005); La Somme, le sommeil, le cauchemar (Centre culturel canadien, Paris, 2006); et Kincora (Cinémathèque québécoise, Montréal, 2010).

Ses rétrospectives comprennent : Corps-à-corps : l’oeuvre de Donigan Cumming (Vidéographe, 2020), et des programmations à l’Anthology Film Archives (New York), Pacific Film Archive (Berkeley), Pleasure Dome (Toronto) et Visions du Réel (Nyons). Ses publications majeures sont : The Stage (1991), Pretty Ribbons (1996), Gimlet Eye (2001), Lying Quiet (2004), Kincora (2008), Pencils, Ashes, Matches & Dust (2009) et Kerr’s Suitcase (2015).

Des études critiques de son travail figurent dans Le Musée de la photographie (Phaidon); Art et photographie (Phaidon, 2005); Faking Death: Canadian Art Photography and the Canadian Imagination (MQUP, 2003), Das Lexikon der Fotografen (Knaur, 2003), Le Livre de photographie : une histoire, vol. 2 (Phaidon, 2007); Scissors, Paper, Stone: Expressions of Memory in Contemporary Photographic Art (MQUP, 2007); Touching Surfaces. Photographic Aesthetics, Temporality, Aging (Rodopi, 2008); 100 Video Artistas (EXIT, 2009); Visual Arts in Canada: The 20th Century (OUP, 2010), Splitting the Choir: The Moving Images of Donigan Cumming (Canadian Film Institute, 2011); Une Collection. Maison européenne de la photographie (Actes Sud, 2015); et le Dictionnaire de la photographie (Thames & Hudson, 2015). Ses œuvres sont présentes dans des institutions majeures au Canada, en France, Suisse, au Royaume-Uni et aux Etats-Unis. Cumming vit et travaille à Montréal.

Le Centre culturel canadien a été un partenaire constant des projets de Stan Douglas en France.  En 2014, le CCC lui a consacré une exposition personnelle, Abandon et Splendeur, organisée en écho à la rétrospective Stan Douglas: Photographs 2008–2013, présentée par le Carré d’Art, musée d’art contemporain de Nîmes en partenariat avec le CCC.

Stan Douglas est né en 1960 à Vancouver, où il continue de vivre et de travailler. Depuis la fin des années 1980, il a créé des films et photographies – ainsi que récemment des productions théâtrales et d’autres projets multidisciplinaires – qui scrutent les paramètres de leur médium. Son enquête toujours en cours sur le rôle de la technologie dans la fabrique des images et la façon dont ces médiations infiltrent et façonnent la mémoire collective a produit des œuvres à la fois spécifiquement marquées par leurs références historiques et culturelles et largement accessibles.

L’œuvre de Douglas a fait l’objet d’expositions individuelles dans de grandes institutions à travers le monde depuis les années 1980, notamment une rétrospective majeure en 2013, Stan Douglas: Photographs 2008–2013 présentée au Carré d’Art – Musée d’Art Contemporain, à Nîmes. Elle a été ensuite circulé sous le titre Stan Douglas: Mise en scène jusqu’en 2015 à la Haus der Kunst, Munich, puis la Nikolaj Kunsthal, Copenhagen, et l’Irish Museum of Modern Art, Dublin. Interregnum a été présentée en 2015 au WIELS, centre d’art contemporain de Bruxelles, et au Museu Coleção Berardo de Lisbonne. En 2016, Luanda-Kinshasa a été présentée au Pérez Art Museum Miami (PAMM) et, en 2019-2020, SPLICING BLOCK a investi la Julia Stoschek Collection, Berlin. L’oeuvre de l’artiste a figuré à la Biennale de Venise en 1990, 2001, 2005 et 2019, ainsi qu’à Documenta, Kassel, en 1992, 1997 et 2002. Stan Douglas a récemment été sélectionné pour représenter le Canada à la 59e Biennale de Venise en 2022.

Le Centre culturel canadien a accompagné de nombreux projets de Pascal Grandmaison en France. Il l’a également présenté dans son propre espace d’exposition dans le cadre du Mois de la photo à Paris,en 2012, avec Isabelle Hayeur et Thomas Kneubühler avec l’exposition Au Milieu de nulle part.

Né en 1975, Pascal Grandmaison vit et travaille à Montréal. Il a été abondamment exposé au Canada et en Europe. Son œuvre a fait l’objet de plusieurs expositions individuelles, en particulier aux : Casino Luxembourg – Forum d’art contemporain, Musée des beaux-arts du Canada (Ottawa), Carleton University Art Gallery (Ottawa), Musée d’art contemporain de Montréal, Jessica Bradley Art + Projects (Toronto), galerie René Blouin (Montréal), Prefix Photo (Toronto), galerie Séquence (Chicoutimi), Contemporary Art Gallery (Vancouver), Galerie B-312 et Espace Vox (Montréal), Jack Shainman Gallery (New York), galerie Eponyme (Bordeaux ), galerie Georges Verney-Carron et galerie BF 15 (Lyon), Vidéochronique (Marseille).

Ses œuvres ont figuré dans de nombreuses expositions de groupe dans les lieux suivants :  Le Fresnoy (Tourcoing), Centre culturel canadien (Paris), Existentie (Gent), Centre d’art contemporain (Meymac), Centre d’art contemporain (Varsovie), Musée des beaux-arts de Montréal, The Withworth Art Gallery, (Manchester), Musée national des beaux-arts du Québec, Biennale d’art contemporain de Prague 2005, Musée d’art contemporain deToronto, Musée d’art contemporain de Montréal, Galerie d’Art Leonard & Bina Ellen de l’Université Concordia (Montréal) et Edmonton Art Gallery.

His videos have been presented internationally, more recently at Haus der Kulturen des Welt (Berlin), Palais de Tokyo (Paris), Edinburgh Art Festival, Le Fresnoy (Tourcoing), Centre Pompidou (Paris), Centre de l’Image Contemporaine (Geneva). 

Pascal Grandmaison is represented by Galerie Blouin-Division, Montreal.

A photographer and graphic designer by training, Angela Grauerholz was a full professor at the École de Design at the l’Université du Québec à Montréal until 2017, where she taught typography and photography since 1988. From 2008 to 2012, she was head of the Centre de Design at the l’Université du Québec à Montréal. Grauerholz is also a contemporary artist and has participated in national and international exhibitions. She has taken part in many events, including the Sydney Biennale (1990), documenta IX (1992), the Carnegie International (1995) and the Montreal Biennale (2004). The winner of many prizes in graphic design, she was awarded Québec’s Prix Paul-Émile Borduas for her accomplishments in the arts in 2006, followed, by the Canada Council’s Governor General Award in Visual and Media Arts in 2014, and the prestigious Scotiabank Photography Award in 2015. Along with her purely photographic work, she has worked on different types of photographic archives, addressing notions of memory, of space and place, as well photographic representation.

Né à New York en 1971, Adad Hannah a passé son enfance en Israël et en Angleterre avant que sa famille n’emménage à Vancouver au début des années 1980. Il vit et travaille à Vancouver. Il est titulaire d’un baccalauréat en Beaux-arts d’Emily Carr University of Art & Design, ainsi que d’un master et d’un doctorat de l’Université Concordia de Montréal. Son œuvre est présente dans des collections publiques et privées du monde entier et a été largement exposée à travers les États-Unis, le Canada, le Mexique, ainsi qu’en Europe, Afrique, Chine, Corée du sud, Australie, Russie, Argentine et au Brésil. Adad Hannah a reçu plusieurs récompenses, dont le prix Victor Martyn Lynch-Staunton 2009 du Conseil des arts du Canada distinguant un artiste remarquable en milieu de carrière. Il est actuellement représenté par la galerie Pierre-François Ouellette art contemporain à Montréal et par Equinox Gallery à Vancouver.

Le Centre culturel canadien a accompagné les projets de Isabelle Hayeur en France. Il l’a également présentée dans son propre espace d’exposition dans le cadre du Mois de la photo à Paris,en 2012, avec Pascal Grandmaison et Thomas Kneubühler avec l’exposition Au Milieu de nulle part.

Isabelle Hayeur is a lens-based artist known for her photographs and experimental videos. Her approach is one of environmental, urban and social criticism. She is particularly interested in the feelings of alienation, uprooting and disenchantment. Since the late 1990s, she has been probing the territories she goes through to understand how our contemporary civilizations take over and fashion their environments. She is concerned about the evolution of places and communities in the neoliberal sociopolitical context we currently live in. She participated in many group exhibitions, such as the National Gallery of Canada (Ottawa), Massachusetts Museum of Contemporary Arts (North Adams), Neuer Berliner Kunstverein (Berlin), Istanbul Modern (Istanbul), Tampa Museum of Art, Bruce Silverstein Gallery (New York), Canadian Cultural Centre (Paris), Musée d’Art Contemporain de Montréal, Casino Luxembourg Forum d’art contemporain (Luxembourg), Today Art Museum (Beijing), Hiroshima City Museum of Contemporary Art and Les Rencontres Internationales de la Photographie à Arles.

Originaire du Pays de Galles, Geoffrey James a étudié l’histoire contemporaire à Oxford et commencé à photographier au début des années 70. Il est l’auteur ou sujet de plus d’une douzaine de monographies consacrées aux diverses formes de paysage façonné par l’homme et son travail est largement exposé. Il a bénéficié d’expositions en solo au Palazzo Braschi à Rome, à l’Americas Society à New York et au Musée des beaux-arts du Canada. Les expositions de groupe auxquelles il a participé comprennent Documenta IX, Kassel, 1992, et Into the Sunset, Photography’s Image of the American West, MOMA, New York, 2009. Il a reçu une bourse Guggenheim, le Prix du Gouverneur général en arts visuels et en arts médiatiques ainsi que le prix Gershon Iskowitz. Il habite Toronto, où il a été le premier lauréat en photographie.

Né au Canada, Mark Lewis vit et travaille à Londres, Royaume-Uni. En 2009, il a représenté le Canada à la 53e Biennale de Venise avec son ensemble de rétroprojections Cold Morning. Il a fait l’objet d’expositions individuelles dans les lieux suivants : Vancouver Art Gallery (Vancouver, 2008), Forte Di Bard (Italy, 2011), Van AbbeMuseum (Eindhoven, 2013), Musée du Louvre (Paris, 2014), The Power Plant (Toronto, 2015), Canada House (London, 2015), Le Bal (Paris, 2015), Austin Contemporary, Texas (2017), Musée des beaux-arts de l’Ontario, (Toronto 2017), Casa do Povo (Sao Paulo 2019).

En 2015, Mark Lewis achève la réalisation son film long-métrage Invention. Celui-ci est projeté aux Toronto International Film Festival, Berlin International Film Festival, London Film Festival, Chicago Film Festivalet d’autres à travers le monde. Il rencontre un très bon accueil critique et est programmé au Festival international du film documentaire d’Amsterdam 2016.

In 2016, Mark Lewis a reçu le prix du Gouverneur général en arts visuels et en arts médiatiques. Son œuvre est présente dans de nombreuses expositions collectives dont : 31e Biennale de Sao Paulo (Brésil), Real DMZ Project (Séoul), Beirut Art Centre (Beyrouth), Galerie Marcelle Alix (Paris), Serralves Museu de Arte Contemporanea (Porto), Centre Pompidou (Paris), MUDAM (Luxembourg).  Ses installations de films figurent dans les collections permanentes des Centre Pompidou (Paris), Museum of Modern Art (New York), Musée des beaux-arts du Canada (Ottawa), MUDAM (Luxembourg) et quantité d’autres musées du monde.

Mark Lewis est le co-fondateur et co-directeur du centre de recherche Afterall à Central Saint Martins, Université des arts de Londres, où il enseigne les beaux-arts. Il est rédacteur en chef de l’Afterall Journal et chroniqueur à Afterall One Works.

Jimmy Manning est principalement photographe bien qu’il ait aussi produit des dessins, gravures et sculptures au cours de son parcours créatif. Il est le petit-fils du photographe Peter Pitseolak, qui a été sa toute première source d’inspiration. Les photos de Manning explorent la vie quotidienne de sa communauté, documentant les paysages et assemblées de familles et d’amis. Il a été directeur des Kinngait Studios de la West Baffin Eskimo Cooperative et œuvré en tant que porte-parole et ambassadeur culturel international au service de sa communauté artistique locale. Les photographies de Manning figurent dans les collections du Musée canadien de l’histoire, du  Musée des beaux-arts de Montréal et des Affaires autochtones et du nord Canada. Jimmy Manning vit et travaille à Kinngait, Nunavut.

Le Centre culturel canadien a soutenu plusieurs projets de Aude Moreau en France, dont trois organisés par la commissaire Louise Déry :  A Montréal, quand l’image rôde, au Fresnoy (2013-14) ainsi que L’Entre-images (Nuit blanche, 2013) et La Nuit politique (2015-16) tous deux présentés au CCC.

Aude Moreau détient une maîtrise en arts visuels et médiatiques de l’Université du Québec à Montréal et développe une pratique qui combine sa double formation en scénographie et en arts visuels. Son travail a été présenté au Canada et sur la scène internationale.  Son exposition La nuit politique a été présentée à la galerie de l’Université du Québec à Montréal et au Centre culturel canadien en 2015, suivi du Casino Luxembourg et The Power Plant, à Toronto, en 2016.  Son travail a également été présenté au musée d’art contemporain de Montréal (2017), à la galerie Antoine Ertaskiran, Montréal (2018) et dans le cadre des Rencontre internationales Paris/Berlin présentées au musée du Louvre en 2020. Aude Moreau a reçu la bourse Claudine et Stephen Bronfman en art contemporain (2011), le prix Powerhouse (2011) ainsi que le Prix Louis Comtois (2016). Elle vit et travaille à Montréal.

Basée à Montréal, Nadia Myre est une artiste interdisciplinaire de renommée internationale et membre de la Première Nation Kitigan Zibi Anishinabeg. À l’instar d’œuvres séminales telles que Indian Act (2002) et The Scar Project (2005-2013), son art explore la politique de l’appartenance positionné dans un cadre à l’intersection de la résistance et de la résilience autochtones. Elle a un remarquable historique d’expositions, avec plus de 115 événements, dont 25 individuellement au cours des dernières dix années.  Ses œuvres sont présentes danes les Ambassades du Canada de New York, Londres, Paris et Athènes. Ses expositions les plus récentes comprennent : Balancing Acts (Textile Museum of Canada, Toronto, 2019), Show Me Your Wound (Dom Wein, Vienne, 2018/19), Code Switching and Other Work (The Briggait, Festival Glasgow International, 2018), Tout ce qui reste/Scattered Remains (Musée des beaux-arts de Montréal, 2017/18). Nadia Myre est lauréate de nombreuses commandes publiques et récompenses, notamment le Prix Sobey pour les arts 2014, destiné aux artistes canadiens de moins de 40 ans, et l’Ordre des arts et des lettres du Québec (Compagne, 2019).

Ian Paterson est né et a grandi à Brantford, dans l’Ontario. Il est diplômé de Trinity College, Université de Toronto, et est devenu commissaire d’expositions pour Oakville Galleries. En 1982, il s’est installé en France, où il a vécu depuis. Il était professeur de dessin à Parsons Paris et au Paris College of Art (PCA). Il a eu de nombreuses expositions individuelles en Europe et en particulier à Paris, aux Centre Pompidou, Musée Carnavalet, Centre culturel canadien, à la Galerie Françoise Paviot. Ses œuvres figurent dans les collections permanentes du Musée des beaux-arts du Canada ainsi qu’au Centre Pompidou et au Musée Carnavalet, Paris.  

Le Centre culturel canadien a présenté Deep Water, une installation monumentale d’Ed Pien, en 2001-02. Aujourd’hui, une gravure sur métal de l’artiste, intitulée Ancient Pine, accueille les visiteurs du nouveau Centre culturel canadien et de l’Ambassade du Canada en France. Cette œuvre a été commandée à l’occasion de la grande réouverture de 2018.

Ed Pien a émigré de Taïwan au Canada avec sa famille à l’âge de 11 ans. Il est titulaire d’une licence en Beaux-Arts de Western University et d’un master en Beaux-Arts de l’Université York. Il a récemment pris sa retraite anticipée de son poste d’enseignant à mi-temps à l’Université de Toronto afin de se consacrer à plein temps à la création. Ed Pien a commencé son parcours artistique nourri par la créativité des centres d’artistes autogérés. Il a exposé son travail dans les centres d’artistes suivants : Oboro, Articule (Montréal), YYZ (Toronto),  Langage Plus, (Alma), AXENEO7 (Gatineau) et Access Gallery (Vancouver). Il a aussi présenté son travail aux Drawing Centre (NYC), Victoria & Albert Museum (Londres), Centre culturel canadien (Paris), Goethe Institute (Berlin), Musée des beaux-arts de l’Ontario (Toronto), Musée d’art contemporain et Musée des beaux-arts de Montréal, Art Gallery of Greater Victoria, Mendel Art Gallery (Saskatoon), Songzhuang Art Centre (Beijing), Musée des beaux-arts du Canada (Ottawa) and Musée d’art contemporain du Massachusetts. Par ailleurs, Ed Pien a participé aux Biennale de Montréal, Biennale de Sydney, Biennale de Moscou. Biennale internationale de Beijing, Biennale de Curitiba ainsi que plus récemment à la Bienal Internacional de Asunción au Paraguay. En juin 2021, Edi Pien fera l’objet d’une exposition individuelle au Musée des beaux-arts de l’Ontario. Intitulée Present: Past/Future, celle-ci présentera des vidéos, photographies, objets ainsi qu’une installation, fruits de son exploration du temps toujours en cours avec un petit groupe de personnes âgées de Cuba.

Public Studio désigne le collectif artistique de la cinéaste Elle Flanders et l’architecte Tamira Sawatzky. Depuis 2009, Public Studio a fait usage d’un éventail de médiums pour produire des œuvres de grande taille pour espace public, films, installations immersives, jeux de lentilles optiques, ainsi que des projets socialement engagés. Public Studio a été fondé dans le but de révéler au grand jour les antagonismes intrinsèques aux questions de l’espace public et de sa disparition ainsi que les effets de la mondialisation sur nos paysages quotidiens. Sa pratique multidisciplinaire investit des thématiques telles que la guerre et la militarisation, l’écologie et l’urbanisation, la dissidence politique. Au centre de sa démarche il y a le désir de raccorder les notions d’esthétique et d’éthique, et de questionner le rôle que peut jouer l’art non seulement pour « donner du sens » mais « donner du sens qui compte ».

Né en 1928, Michael Snow vit et travaille à Toronto. Actif internationalement, sa pratique artistique s’exerce en sculpture, peinture, photographie, holographie, installation, conception de livres, video, film, musique, audio ainsi que plusieurs commandes publiques. En 2020, Michael Snow a présenté un ensemble d’œuvres autour du son à l’Art Museum at the University of Toronto. L’Art Gallery of Hamilton présente aussi en 2020-21 une importante retrospective de ses premières œuvres intitulée Early Snow.

Quelques récentes expositions individuelles, projections et performances musicales comprennent : In The Way à la Jack Shainman Gallery, New York (2012), Recent Works à Secession, Vienna (2012), Objects of Vision à l’Art Gallery of Ontario (2012), The Legacy of Wavelength au Museum of Modern Art, New York (2013), Solo Snow à la Galerie de l’UQAM, Montréal (2013), Michael Snow Photo-Centric au Philadelphia Museum of Art (2014), Sequences à La Virreina, Barcelona (2015), Culturegest à Lisbonne et une exposition de sculpture au Guggenheim Bilbao, The Cinema of Michael Snow à la Cinemateca Portuguesa, Lisbonne (2019), Musique pour aujourd’hui au Centre Pompidou, Paris (2019), Rencontres Internationales Paris/Berlin au Louvre, Paris (2019). L’œuvre de Snow figure dans de nombreuses collections, dont : Art Gallery of Ontario (Toronto), Musée des beaux-arts de Montréal, Musée des beaux-arts du Canada (Ottawa), Vancouver Art Gallery, Museum of Modern Art (NewYork), Philadelphia Museum of Art, Albright-Knox Art Gallery (Buffalo), Centre Pompidou (Paris), Museum Ludwig (Cologne & Vienna), Tate Modern (London), Museu d’Art Contemporani de Barcelona. Michael Snow s’est vu décerner de nombreux prix et distinctions parmi lesquels : Guggenheim Fellowship (1972), Ordre du Canada (Officier, 1982; Compagnon, 2007), Prix du Gouverneur général en arts visuels et en arts médiatiques, catégorie cinéma (première promotion, 2000), Ordre des Arts et des Lettres, France (Chevalier, 1995), Doctorat honoris causa de l’Université de Paris 1 Panthéon-Sorbonne (2004), Prix Gershon Iskowitz (2011).

En 2003, Lisa Steele & Kim Tomczak présentaient l’installation … Before I Wake au Centre culturel canadien, accompagnée d’un catalogue écrit par le critique Paul Ardenne. Le Centre a également soutenu plusieurs projets du duo en France.

Lisa Steele (born in Kansas City, lives in Toronto) and Kim Tomczak (born in Victoria, BC, lives in Toronto) have worked exclusively in collaboration since 1983, producing videotapes, performances, and photo/text works.

Leurs principales commandes publiques comprennent : Watertable (2009, agrandie en 2011), installation son et lumière sous la voie rapide surélevée Gardiner Expressway, au pied de l’historique Fort York, rappelant le tracé originel de la rive du lac Ontario ; …bump in the night (Barrie) (2010), commande du McLaren Art Centre installée dans des abribus Barrie ; Falling Up (2006), œuvre vidéo pour le Musée des beaux-arts de Winnipeg ; Love Squared (2006), projeté sur un panneau-écran de 223 m² à Yonge-Dundas Square, Toronto. 

Une exposition majeure de leur travail, The Long Time: the 21st century work of Steele + Tomczak, conçue par Paul Wong (avec catalogue de 84 pages), a été inaugurée en septembre 2012  à On Main Gallery et au VIVO Media Arts Centre, Vancouver, BC avant de circuler pendant cinq ans à travers le Canada.

Lisa Steele et Kim Tomczak sont co-fondateurs de Vtape, un centre d’arts médiatiques primé établi à Toronto en 1983. Ils ont été distingués par de nombreux prix et bourses de création à titre individuel et en collaboration, ces derniers incluant le Bell Canada Video Award, le Toronto Arts Award et, en 2005, le prix du Gouverneur général en arts visuels et en arts médiatiques pour l’ensemble de leur œuvre. En 2009, ils ont reçu un doctorat honorifique de l’Université de Colombie-Britannique.

Née à Prague, Jana Sterbak a étudié l’histoire du cinéma avec John Locke et Tom Waugh ainsi que la peinture avec Yves Gaucher et Guido Molinari à l’université Concordia (Montréal) où elle complète un baccalauréat en Beaux-arts. Dans les années 80, elle poursuit ses études en histoire de l’art à l’Université de Toronto et à l’Université de New York, études qu’elle abandonne en faveur de sa production artistique. Dans les années 90, elle s’installe à Paris pour enseigner à l’École nationale supérieure des beaux-arts (ENSBA).

La carrière de Jana Sterbak s’étend maintenant sur plus de 40 ans. L’artiste a défini l’art contemporain à travers ses sculptures, vidéos, installations et performances. Son travail a pris des formes et des matériaux inhabituels pour considérer impitoyablement la condition humaine avec la célèbre Vanitas : Robe de chair pour albinos anorexique. From Here to There, présentée à la 50e Biennale de Venise en 2003, renouvelle la relation entre le spectateur et l’art en utilisant le chien Stanley équipé d’un système de caméra vidéo portable. Les images résultantes ont ensuite été montées et projetées sur six écrans. Jana Sterbak occupe une position enviable sur la scène artistique nationale et internationale, avec de grandes expositions présentées au Musée des beaux-arts du Canada (Ottawa), au Carré d’art de Nîmes, au Palais des Papes à Avignon, à la Serpentine Gallery de Londres, à la Fondation Tàpies à Barcelone, au Musée d’art contemporain de Chicago, à la Galerie Im Taxispalais d’Innsbruck et au musée Lehmbruck de Duisburg, en Allemagne.

Her works are included in several Canadian, European, American and Australian museum collections such as the Centre Georges Pompidou (Paris), the Walker Art Center Minneapolis, the San Diego Art Museum, the MAAXI Museum (Rome), the National Gallery of Australia in Canberra and the Queensland Museum and Brisbane, Australia, in the National Gallery of Canada, the Musée National des Beaux-Arts du Québec and Musée d’Art Contemporain de Montréal.

Adrian Stimson est membre de la Nation Siksika (Pieds-Noirs) du sud de l’Alberta, au Canada. Il est titulaire d’un Baccalauréat en beaux-arts (BFA) de l’Alberta University of the Arts et d’un Master (MFA) de l’Université de la Saskatchewan. Artiste interdisciplinaire, Stimson a exposé à trois biennales: Photoquai, Paris, France 2009, The Shoreline Dilemma, Toronto 2019 et la Biennale de Sydney 2020 : NIRIN.

Parmi ses peintures variées, sa série des bisons est un ensemble mélancolique, mémoriel, politique et parfois fantasque. Elle invoque les notions de fragilité culturelle, de résilience et la nostalgie. Sa pratique de la performance explore la construction de l’identité, en particulier l’hybridation de l’Indien, à la fois cowboy, shaman et être bispirituel. Buffalo Boy et The Shaman Exterminator sont deux de ses personnages récurrents. Adiran Stimson est aussi connu pour mettre son corps à l’épreuve: dans White Shame Re-worked, il transperce 7 fois sa proitrine, recréant une performance réalisée à l’origine par Ahasiw-Muskegon Iskew. Il a rampé à travers le désert par 43° C pour What About the Red Man? Pour The Green Man au festival Burning Man, il a récemment creusé une tranchée lors d’une performance de 5 jours, du lever au coucher du soleil. Son travail d’installations examine principalement l’expérience des pensionnats autochtones – Adrian Stimson en a fréquenté trois au cours de sa vie. Il a utilisé la culture matérielle du Pensionnat Old Sun Residential School sur le territoire de sa Nation pour créer des oeuvres évoquant le génocide, la perte et la résilience. Son oeuvre sculptée comprend Spirit of Alliance, une sculpture publique à Saskatoon,  Bison Sentinel dans les Healing Gardens de l’Université des Premières Nations du Canada ainsi que Inii Bison Heart, Bronze Bison qui sera dévoilé à l’été 2020 à Calgary.

Adrian Stimson a participé au Programme d’art des Forces canadiennes qui l’a envoyé en Afghanistan en 2010. Deux expositions en ont résulté: Holding our Breath et Terms of Engagement qui ont circulé à travers le Canada. L’artiste a reçu les prix suivants: Ancien élève d’influence de l’Université du Saskatchewan en 2020, Prix 2018 du Gouverneur général en arts visuels et arts médiatiques; Prix REVEAL des arts autochtones, Fondation Hnatyshyn en 2017, Blackfoot Visual Arts en 2009, Médaille du centenaire de l’Alberta 2005 et la Médaille du jubilée d’or d’Élizabeth II en 2003.

En 2011, le Centre culturel canadien a présenté Les Histoires extraordinaires de Diana Thorneycroft. Paysages grinçants d’un imaginaire canadien.

Diana Thorneycroft est une artiste de Winnipeg dont les réalisations ont été exposées à travers le Canada, les États-Unis et l’Europe ainsi qu’à Moscou, Tokyo et Sydney. Elle a reçu de nombreuses récompenses : Prix de distinction en arts du Manitoba, bourse Projets à long-terme – aide à la production du Conseil des arts, plusieurs subventions Senior du Conseil des arts du Manitoba, bourse Fleck du Centre des arts de Banff. Diana Thorneycroft a été chargée de cours pendant vingt-cinq ans à la School of Art de l’Université du Manitoba. Depuis 2010, elle se consacre à plein temps à sa création en atelier, bénéficiant d’une représentation de galeries au Canada et en Europe. Connue pour son art empreint d’humour noir, Diana Thorneycroft travaille des sujets souvent jugés provocants aux yeux son public à la limite de ce qu’il est prêt à accepter. À partir de sa récente installation itinérante Black Forest (dark waters), elle vient de réaliser sa première animation en volume (stop motion) intitulée Black Forest Sanatorium.

Le Centre culturel canadien a accompagné de nombreux projets de Michèle Waquant présentés en France. En 2002-2004, il lui a consacré une exposition personnelle, L’Observatoire, organisée avec Passerelle Centre d’art contemporain de Brest. En 2019, le CCC a reçu l’artiste dans le cadre d’une soirée spéciale autour de ses films, organisée en partenariat avec la revue de cinéma Transfuge.

En 2005, Johannes Zits a participé à Canadian Club, une exposition majeure du collectif Persona Volare de Toronto, qui occupa les cinq étages du Centre culturel canadien.